sabukaru Presents:Unreal Motion - An unreal magazine powered by 8
What happens when you have 8 artists to depict, interpret, and present unreal motion, a concept driven by a sneaker powered by 8 Air tubes?
8人の次世代アーティスト、そして8本のAir チューブを搭載したスニーカーから成る化学反応とは？
The answer you could find at the Mugen Room in Tokyo on March 26. In this space where music, light, and energy intersected with art inspired by the Air Max Dn8, equipped with the latest air technology, unlocked new possibilities for expression.
その答えとして、3月26日にナイキは一夜限りの特別なイベント、Mugen Roomを東京で開催した。音楽、光、熱狂が交錯するその空間で、最新のエア テクノロジーを搭載したAir Max Dn8にインスパイアされたアートが、新たな表現の可能性を解き放った。
The selected 8 artists devoted themselves to creating pieces for the event, expressing their unique interpretations of unreal motion and creative experimentation.
選ばれた8人のアーティストは、「Unreal Motion」と創造的な実験を独自の解釈で表現すべく、Mugen Roomに向けて制作に没頭した。
sabukaru set out to push the boundaries of print, merging paper with the limitless potential of AR, NFC chips, and your phone to showcase each artist’s unique world. The result was a magazine that transforms from 2D to 3D, from real to unreal, just by hovering your phone over the cover.
sabukaru 編集部はアーティストたちそれぞれの世界を紹介する手法として、紙面とARを融合させた新しい形で、雑誌の限界に挑んだ。結果、表紙にスマホをかざすことによって2Dから3Dの世界へ、リアルからアンリアルな表現を可能にする新たな雑誌が誕生した。
sabukaru had the chance to speak to the 8 artists and follow the behind-the-scenes of how they explored unreal motion through their lens, inspired by the Nike Air Max Dn8.
Sabukaru編集部は8人のアーティストを訪れて、彼らがどのようにUnreal Motionを探求したかを取材した。
JACKSON KAKI
JACKSON kaki is a DJ, VJ, graphic designer, and live performer - a truly diverse, interdisciplinary artist who graduated from the Institute of Advanced Media Arts and Sciences. His studies in sociology helped lay the groundwork for his Audio Visual performances, which are prevalent in Japan’s nightlife scene. He engages in a post-human style that offers a glimpse of what the world might look like when technology further integrates into the human experience.
DJ、VJ（ビデオ・ジョッキー）、グラフィックデザイナーのみならず、ライブパフォーマーという肩書を持つ JACKSON kaki は、多領域を駆けて活動するアーティスト。情報科学芸術大学院大学社会学科から学び得た知識は、オーディオビジュアル・パフォーマーとしての基盤を築き、今や日本のナイトライフに欠かせない存在。ポストヒューマニズムからヒントを得たスタイルは、テクノロジーとヒューマン・エクスペリエンスの狭間の世界を魅せる。
Tell us about your creative process.
I create my art with the idea that it can hold the same value that DJs and Bands bring to performances, clubs, and livehouses. Music—whether through DJs or bands—carries an incredibly strong energy that captivates people. At the same time, performance and physical movement have that same energy. If anything, I’ve been thinking that using the body in this way might actually be even more interesting. I want to take that idea further—not just expand it, but approach performance in a way that feels almost like a band. That’s where my interest in using cameras, effects, and similar elements in my work began. With this approach, I might explore minimal music, punk, or even pop music. Those are just examples of genres, but the main focus is on using the body, cameras, effects, and technology to extend my physical presence—almost like a band session—to create a new kind of performance-based work.
自分の作品は、パフォーマンスが、クラブやライブハウスのDJ やバンドがと同じくらいの価値が持てればという考えから制作しています。DJ やバンド、いわゆる音楽の表現はとても強いエネルギーを持っていて、多くの人を魅力する力がありますが、それと同じぐらいパフォーマンス、身体を使って何かをするってエネルギーがあると感じています。ある意味バンド的にパフォーマンスを出来ないかなという考え、この考えが自分の作品にカメラ、エフェクト等の要素を使用することになったきっかけです。このアプローチで、ミニマルなミュージック、パンクだったりポップ ミュージックをやるかもしれない。これはあくまでもジャンルで例えているんですけど、フォーカスとしては身体、カメラ、エフェクト、そしてテクノロジーを使って自分の身体を拡張させ、まるでバンドのセッションのようなパフォーマンスを生み出す作品に取り組んでいます。
What is Unreal Motion to you?
First of all, when I first think of the word unreal motion, the word “unreal” brings some virtuality to mind - not necessarily like a game but of a place that isn’t reality. In my work, I use technology as a form of expression, and the idea of “motion” is extremely important—whether in performance, motion capture, or avatars, all of which have a deep connection to the body. The “unreal” aspect of my practice and the motion-based performances I’ve been experimenting with recently have come together, so I feel honored to have them recognized in this way.
Unreal motionという言葉から、まずアンリアルという言葉が、現実ではない場所のような仮想性を連想させました。自分の作品では、テクノロジーを表現の手段として使用しており、モーションという概念は非常に重要です。パフォーマンス、モーションキャプチャ、またはアバターなどは全て、身体と深く繋がっています。自分が実践するアンリアルという側面と、モーションをベースとしたパフォーマンス両方が結びついているので、このようなかたちで今回呼んでいただけて光栄に思いました。
REON TOKUTAKE
Reon Tokutake’s principle is to work on a scale that is substantial to the naked eye. He graduated from the Sculpture Department at Musashino Art University, and left an impactful degree-show having manipulated bronze, iron, and steel. To Tokutake, “being a man” is the core of his work, often physicalizing mightiness. Through his monumentally dramatic sculptures, he explores the possibilities of relating to contemporary society.
肉眼でその存在感を十分に感じられるスケールにこそ、Reon Tokutakeの制作理念がある。武蔵野美術大学の彫刻学科を卒業したTokutakeだが、青銅、鉄、鋼といったマテリアルを自在に操る様は、卒業制作展で見受けられた。Tokutakeにとって「男であること」は作品の核心をなすテーマであり、力強さを具現化する。彼の壮大な彫刻を通じて、現代社会との関係性について可能性を探求している。
Tell us about your creative process.
As for the creative process, I first decide what to create based on the theme, and then I tend to work directly with the materials without doing much sketching. I usually start with a model made of clay or styrofoam, and then I cast it and replace the material with metal, following the basic process of sculpture. The material I use is metal, specifically iron. The reason I chose it is that it aligns most closely with my key theme. In terms of iron, the word "ragged" represents the roughness that iron naturally holds, and that's the essence of the material I use for my creations.
自分のクリエイティブプロセスは、まずテーマに基づいて何を作るかを決め、そのあとはあまり下書きをせずに直接素材に向き合うことが多いです。通常は粘土や発泡スチロールでモデルを作り、それを鋳造して金属に置き換えるという彫刻の基本的なプロセスを踏みます。使用する素材は金属、特に鉄です。鉄を選ぶ理由は、私の主要なテーマに最も密接に関連して、”ragged” 的な自然に持つ粗さを表しているので、自分の作品では基本的なマテリアルとして制作しています。
What is unreal motion to you?
Rather than being a reinterpretation of unreal motion, I see it more as a situation. The interpretation might initially evoke an image of straight, unrealistic movement, but I think I was able to create the work with the idea of presenting an unrealistic situation and then making a shift or reversal from that point.
unreal motionの再解釈というよりは、むしろ状況として捉えています。最初は直線的で非現実的な動きのイメージを呼び起こすかもしれませんが、私は非現実的な状況を提示し、その後その「非常識」な点からシフトや逆転を起こすというアイデアで作品を作ることができたと思います。
YOH MURATA
yoh murata is a graduate of the Department of Spatial Performance Design, Environmental Planning Course, Musashino Art University. Through his immersive installation practice, he bridges the divide between reality and fantasy. He is one of Tokyo’s true VJs（video jockey）who synchronize visuals with music. An artistic hacker of two of the bodily senses.
yoh murataは、武蔵野美術大学空間演出デザイン学科環境計画コースを卒業。没入型インスタレーションの制作を通じて、現実と幻想の境界を繋ぐ。東京を代表するVJ（ビデオ・ジョッキー）として、映像と音楽をシンクロさせる。視覚と聴覚、二つの身体感覚をハッキングするアーティストだ。
Tell us about your creative process.
I often have the opportunity to play and interact with video, media, and varying mechanical equipment, observing how others come to use these tools. The starting ground to the expressions that come alive are involved with first playing around and in these interactions. In a sense, I think this is similar to the townscapes in the era of painting. The texture of the painting, the brushstrokes, and such elements have paved the way for new forms of expression. For me, techniques and tools serve as a way to express myself, and by using them, I generate new ideas that become the foundation for my creative work.
普段ビデオやメディア、さまざまな機材の技術を手遊び的に使う中で、他の人がこれらのツールをどのように使用しているか観察したり、実際に自分で使用していく中で生まれる新しい表現が新しいアイデアに繋がったりします。ある意味では、これは絵画時代における風景画と似ていると思います。絵画の質感や筆致などの要素が、新たな表現形式への道を切り開いてきたように、自分にとっては、技術や道具は自己表現の手段であり、それらを使うことによって、新しいアイデアが生まれ、創作活動のベースとなります。
What is Unreal Motion to you?
For unreal motion, my theme for this creation is “existing but not there, not existing, but there.” This represents a concept of something existing with a strong presence, yet being without recognition, as if it’s not spreading in front of you. These contradictions and scenes are the theme of my work. In the context of unreal motion, the term “unreal” in relation to my work represents the part that corresponds to "not existing but present.” In that sense, I think it’s about exploring this theme within myself. How can something nonexistent be expressed in reality? Or, how can something that exists be made to appear unreal, or “unrealistic” in appearance?
自分のテーマに、「存在するけどそこにはない、存在しないけどそこにある」というものがあります。強い存在感を持ちながらも認識されない、目の前に広がっているにも関わらず、そこにはないかのようなものを表す考えです。この考えと、今回のunreal motionという言葉から、自分が考えるアンリアル、「存在しないが存在する」と対応する部分を表していると思いました。存在しないものを現実にどのように表現できるか、あるいは存在するものをどのように非現実的に見えるようにできるのかと考えます。
CHRISTOPHER LODEN
Christopher Loden is a tailor of 3D accessories that become extensions of the human body. Her wearable extensions of the human body. Her wearable Enhancements made from diverse materials such as silver casts and her expertise in 3D printing technology synthesize the grotesque and kawaii. These supernatural sculptures often explore a central theme of rejecting conformity to societal standards.
Christopher Lodenは、人体の延長となる3D装飾品のテーラー。3Dプリンティングや銀の鋳型など、様々な素材で作られる彼女の作品は、アクセサリーとして着用することができ、グロテスクとカワイイの融合。超自然的な作風が特徴的な彫刻は、社会への順応を拒絶するという中心的なテーマを探求。
How would you describe your style of work in words?
A symbol of "movement" in the mind of someone who tries to transcend the impossible or unreal, like a sword splitting darkness.
剣が闇を裂くように、不可能や非現実を超越しようとする者の心の中にある「動き」の象徴。
Can you tell us about your Airmax day piece?
I've decided to make a sword the motif for this piece, as a symbol for those who have overcome hurdles to challenge new possibilities beyond what could be their own limitations. It serves as a catalyst for change and evolution. This work would not have been possible without the help of Art Angel: Rintaro Unno, and the electric alchemist, Shunsuke Takamizawa. We really contemplated the setup, concept, and story that would be fitting for the start of a legend, and based on that, created a vision with quite a lot of technical elements incorporated.
制約を乗り越えみた者が自身の限界を超えて新たな可能性に挑戦するための象徴として剣をモチーフにしました。それは変革と進化の触媒としての役割を果たしています。この作品は、アートエンジェルの海野倫太郎氏と、電機の錬金術師である高水俊介氏の助けがなければ成し得なかったです。私たちは伝説の幕開けとなるシチュエーションやコンセプト、そして物語を如実に熟考し、それを基に多くの技術的要素を交え、見立てていきました。
What is Unreal Motion to you?
It's not merely motion that’s unrealistic, but rather the very will to transcend reality.
ただの非現実の動きではなく、現実を超えようとする意志そのもの。
HAYATE ITO
Hayate Ito is a ‘neo’ photographer who challenges the traditional notion of photography, translating print to multimedia sculpture. Known for his mastery of photographic manipulation, Ito’s experimental mindset challenges traditional definitions of photography by experimenting with media, particularly paper, to bring new life to flat dimensionality.
Hayate Itoは、従来の写真家の定義を覆す、フィジカルな印刷物をマルチメディア彫刻に昇華させるネオ・フォトグラファー。東京工芸大学卒の伊藤は、首都東京を拠点に活動するアート・コレクティブ「GC MAGAZINE」の鬼リーダーも努めている。職人の如く写真の操作技術に長けていることで知られる伊藤は、実験的で、メディア、特に紙を使った試みを通して、2D世界から成るフォトの概念に、新たな命を吹き込む。
Tell us about your process of making art
I went to a university for photography, where I learned studio lighting techniques and joined a seminar focused on creating artwork. I was always thinking about and making works related to photography, but during the pandemic, I came to Akihabara and had a strong realization about "secondary creation." Photography, too, is a form of creation that takes reality and uses it. Recently, I’ve been using myself as a character and creating works where I do secondary creation with that character.
写真のために大学に通い、そこでスタジオ照明技術を学び、アート作品を制作することに焦点を当てたセミナーにも参加しました。常に写真に関連する作品について考え、作り続けていましたが、コロナ禍に秋葉原に来て「二次創作」について強く実感しました。写真も、現実を切り取ってそれを使う創作の一形態です。最近では、自分自身をキャラクターとして使い、そのキャラクターで二次創作を行う作品を作っています。
What is Unreal Motion in your words?
When I first heard unreal motion, I was like, what is that? After a better look into the process, I started to realize that it’s about setting a goal and finding your way towards achievements, and I thought that was amazing. The idea that people come together to achieve something they can't do alone, and then work together, each contributing in their own way, is really interesting to me.
最初に聞いたときは、何だろうと思いました。でもよく見ていくと、それは目標を設定し、その達成に向かって進んでいくことだと気づき、1人ではできないことでも、みんなが一緒になり色々話しながら一緒に制作するっていうのがいいなと思いました。
RYOTA KITO
Ryota Kito considers what sculpture can mean for those without the ability to see or hear. He plays with metaphysical materials such as time and sound as key elements. His methodical approach to immersive sculpture is less about the appeal, rather the thoughts that resurfaces from it.
Ryota Kitoは、視覚世界を超えて、彫刻が何を意味するのか探求している。時間や音などの形而上的要素をマテリアルとし、遊び心を持って自在に操る。彼の没入型彫刻作品は、魅力を追求するより、作品を体験することから浮かび上がる思考に焦点を当てている。東京芸術大学大学院美術研究科彫刻専攻修士課程を修了している。
Tell us about your process of making art
The so-called idea of sculptures are usually physical or visible, and made of wood or stone. I create my work while thinking about how the sound of our voices in a space, and drift of time also become sculptural elements. I treat them as material in their own way. This time, I strayed from sound and worked around the theme of Mass. I am using a stone, but the concept is how we interpret a stone that has been stolen of its mass. This will be the core idea for this project.
いわゆる彫刻は通常、木や石等の物理的に存在するものだと思います。ですが、普段私は空間内での声の音や、時間の流れも一つの彫刻の素材として考えながら制作をしています。今回の作品では、音は使用していないのですが、質量をテーマに取り組みました。石を使用したのですが、石から質量を奪ったらどのように解釈するか、これがこの作品の核心的なアイデアになります。
What is Unreal Motion in your words?
My immediate impression was “something that would be impossible in everyday life.” For example, if it were a stone, kicking it and having it fly away.
私の直感的な印象は、非現実的。例えば、石を蹴ってみたらそのまま飛んでいくような、普段ではあり得ないことを考えました。
RYOTA DAIMON
Ryota Daimon is a self-taught airbrush artist. His work is strongly influenced by street culture, western cartoons like Looney Tunes and Anime like Naruto/Dragon Ball from his childhood. He draws inspiration from these factors into his original characters and expressions. His hands work like a magic wand, seamlessly blending surrealism and pop graphics onto surfaces.
Ryota Daimonは、独学でエアブラシでの作品作りのテクニックを学びえた。ストリートカルチャーは勿論のこと、彼の作風は幼少期に見た欧米系カートゥーン、加えて日本を代表するアニメから強く影響を受けている。様々な要素からインスピレーションを拾っており、独自のキャラクターや表現を描き出している。魔法の杖の如く操るエアブラシで、超現実的かつポップなグラフィックをシームレスに融合するスタイルが印象的。
Tell us about your creative process.
My production process is usually when I’m hanging out and having fun, the thoughts I’ve had during them and visual images that are left in my mind. I scribble these small thoughts on paper and I bring it back to my airbrush to draw them. When I choose colors, it always depends on what I want to draw. And that really depends on how I’m feeling, except when I start with one color, the next color naturally emerges.
自分の制作プロセスは、普段遊んで楽しんでいる時に、そこで感じたことや頭に残った視覚的なイメージから始まります。それらの小さな思いつきを紙に落書きし、それをエアブラシで描きます。色を選ぶ時は、描きたいものによって決まります。その時の気分によって大きく左右されますが、一つの色から始めると、次の色は自然に現れてきます。
What is Unreal Motion to you?
When I heard the word unreal motion I couldn’t think of an answer right away. But going to many places like Thailand, and being able to feel the atmosphere of each city, the people and atmosphere became my inspiration. And the movement that existed then is what I felt was unreal motion to me.
最初その言葉を聞いたときは、すぐに具体的なことは思い浮かびませんでした。でも、タイなどの多くの場所に行き、各都市の雰囲気や人々、空気感を感じることができ、それが私のインスピレーションになりました。そして、その時に存在していた動きが、自分にとってはunreal motionだと感じました。
SHOKO OTAKE
Shoko Otake’s area of expertise is collaging symbolic motifs that she draws inspiration from everyday life into one-of-a-kind monoprints by woodblock print. She applies her Textile degree from UAL Chelsea College of Arts to her diverse printing methods, integrating fashion garments as surfaces and illustrations for books.
Shoko Otakeは、日常生活の情景からインスピレーションを得た象徴的なモチーフをコラージュし、モノプリントの木版画を制作をしているアーティスト。ロンドンの UAL（チェルシー・カレッジ・オブ・アーツ）にてテキスタイルを学び、独学による印刷技法で、様々な素材を使ってオルタナティブな表現に挑戦している。
Tell us about your creative process.
My creation process mainly involves drawing, carving, and scraping. I regularly take photos and select motifs from them to use as prints. Recently, in addition to these steps, I’ve started collaging the scraped pieces together, incorporating this new approach into my work.
私の制作プロセスは主に、描くこと、彫ること、削ることを中心に行っています。私は定期的に写真を撮り、その中からモチーフを選んで版画として使用しています。最近では、これらのステップに加えて、削った部分をコラージュして、新しいアプローチを作品に取り入れ始めました。
What is Unreal Motion to you?
This time, with the concept of unreal motion, I wanted to explore impossible fantasies. I imagined what it would be like if my prints became weightless and floated into space. This work is an attempt to visualize that fantasy.
今回はunreal motionというコンセプトをもとに、不可能なファンタジーを探求したいと思いました。私の版画が無重力になり、宇宙に浮かんでいくとしたらどうなるだろうと想像しました。この作品は、そのファンタジーを視覚化しようとする試みです。
Our team was dedicated to enhancing the artists’ dynamic interpretations of Air Max dn8’s concept. In following many of the artists’ processes whilst in production, the anticipation for Mugen Room heightened. If you got your hands on a copy, cherish it as a keepsake for the new age of collaboration, delivered in print for both analog and digital lovers.
sabukaru編集部は、Air Max Dn8のコンセプトに対するアーティストのダイナミックな解釈をより深く、鮮明に伝えることに尽力した。制作過程の話を聞く中で、Mugen Roomの期待は高まる一方だった。新しい時代のコラボレーションを追求した、このデジタルとプリントが融合されたマガジンを手にした方は、ぜひ大切にしてください。
Words by Mizu Matsuura
Zine 3D/AR component(s) by Kalkul
Zine covert art/graphic design by Gesture Systems
